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Raimundo Amador en el Teatro Zorrilla «Saludo a B. B. King»

Raimundo Amador (1959, Sevilla) actuó anoche en el Teatro Zorrilla de Valladolid con su espectáculo «Saludo a B. B. King».

De origen gitano, con tan solo doce recorría las calles de su Sevilla natal ganándose la vida tocando la guitarra.

A mediados de los setenta conoció a Kiko Veneno y junto a su hermano, Rafael, formarían, en 1977, el grupo Veneno. Tras la disolución de Veneno, en 1981, junto a Rafael, experimentan con la fusión flamenco-blues creando la banda Pata Negra. Abandona la banda creando otro grupo, para en 1995 iniciar su carrera en solitario con el disco Gerundina en el que colaboran Andrés Calamaro y B. B. King. A raíz de este disco colabora con el gran músico de los blues.

El espectáculo de «Saludo a B. B. King» no es un tributo a su figura, sino que es un rendido recuerdo, tras su fallecimiento en mayo de 2015.

Os dejamos esta selección de fotografías de neustro fotógrafo Chuchi Guerra.

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Fotografías: Chuchi Guerra

Revista Atticus

 

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El héroe de Berlín

Biopic de Jesse Owens desaprovechado

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Película: El héroe de Berlín.

Título original: Race.

Dirección: Stephen Hopkins.

Interpretes: Stephan James (Jesse Owens), William Hurt, Jeremy Irons, Jason Sudeikis, Carice van Houten, Shanice Banton.

Países: Francia, Alemania y Canadá.

Año: 2016. Duración: 134 min.

Género: Biopic, drama.

Estreno en España: 15 Abril 2016.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

 

Sinopsis

El héroe de Berlín se centra en la vida de James Cleveland «Jesse» Owens (Stephan James). Son los años de la Gran Depresión americana, Jesse además de estudiar y entrenar, tiene que lidiar con las tensiones familiares, la tensión racial que se respiraba en la Universidad Estatal de Ohio y su propia competitividad.

En la facultad conocerá a Larry Snyder (Jason Sudeikis) con quien forjará una gran amistad. Gracias a su labor, el apoyo constante de su novia/esposa Ruth Solomon (Shanice Banton) y el esfuerzo inconmensurable de Jessen Owens es elegido para representar a los EE. UU. en el equipo olímpico que iría a Berlín en 1936, iempre y cuando los EE. UU. decidan participar en los mismos, puesto que Hitler quiere hacer de los mismos una propaganda de la supremacía de la raza aria. El debate lo mantienen Jeremiah Mahoney (William Hurt), presidente de la Unión Atlética Amateur y Avery Brundage (Jeremy Irons), director del Comité Olímpico Americano y gran defensor de que se celebrasen los JJ. OO. (y con oscuros intereses económicos). Jesse Owens se encontrará con la disyuntiva de si participar o no en los juegos por distintas presiones que iban mucho más allá de los intereses deportivos.

El héroe de Berlín también recoge el papel que tuvo la realizadora Leni Riefenstahl (creadora de la famosa película Olympia, papel interpretado por Carice van Houten) que captó las imágenes que pasarían a la posterioridad de las hazañas de Owens delante de quienes la contrataron para la exaltación de la raza aria: Hitler y su ministro de propaganda, Joseph Goebbels.

Comentario

 

«No fui invitado a estrechar la mano de Hitler, pero tampoco fui invitado a la Casa Blanca a dar la mano al Presidente».

Jesse Owens a su regreso a los EE. UU. tras los Juegos Olímpicos de Berlín, 1936

Me encantan las películas que nos convierten en verdaderos héroes deportivos, aunque sea desde la butaca de la sala de cine. Ascender cumbres imposibles o conseguir batir atléticos records, no forman, ni han formado, ni (a estas alturas de la vida) formarán parte de mi vida como reto a conseguir. Pero sí que lo son en mi prontuario onírico. Soñar es libertad. Esas hazañas de superación personal me hacen vibrar de emoción. Creo que en alguna de mis otras vidas debí de ser un esforzado atleta. Por otro lado, las películas que ponen un acento en las desigualdades sociales también me ofrecen un plus que me animan a ir a verlas. En El héroe de Berlín, una película biográfica de la vida de Jesse Owens, reúne la hazaña deportiva de unos de los hombres más rápidos de la historia y las vicisitudes por las que tuvo que pasar un negro en su carrera por alcanzar el éxito y el reconocimiento social de sus logros.

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El héroe de Berlín es un biopic del atleta estadounidense James Cleveland «Jesse» Owens (1913-1980). Participó con el equipo norteamericano en los Juegos Olímpicos de 1936 que se celebraron en Berlín, en pleno ascenso del nazismo. Alcanzó una gran fama al conseguir cuatro oros olímpicos en 100 y 200 metros, salto de longitud y la carrera de relevos de 4×100 metros. Tan importantes fueron estos logros como lo que sucedió en mayo del año anterior. En los campeonatos decisivos para la selección de los integrantes del equipo olímpico norteamericano, la Big Ten Conference, estableció, en apenas 45 minutos, tres records mundiales (saltó 8,13 en longitud, nadie saltaría más que él durante cerca de 25 años) e igualó otra marca y eso que venía arrastrando unas molestias que, sin duda, le mermaron su capacidad física. Ahí nació una leyenda, el antílope de ébano: «el mejor y más reconocido atleta de la historia».

Estos hechos, junto su vida sentimental y la relación que tuvo con su entrenador es lo que el director Stephen Hopkins (más conocido por su producción televisiva -24 horas, 2001 y Californication, 2007) ha llevado a la gran pantalla. Ahora hablaremos del resultado.

Tournage RACE

Lo bueno que tiene la película es que ha logrado que me interesen más los hechos históricos que la disección de la propia cinta. El director ha partido de un material que es un auténtico diamante: el hombre que acabó, casi de un plumazo, con el mito de la supremacía de la raza aria. Un negro ganando a los rubios de ojos azules en su propia casa. Vaya afrenta. Y si a esto le sumamos que estamos en un período en que en los EE. UU. vive su particular momento racista, en el que a los negros se los considera como seres inferiores (¡por Dios!) y se les sometía a todo tipo de vejaciones, como las de ir al fondo de un autobús público reservado en exclusiva para ellos o tener que esperar a que los blanquitos ¡del propio equipo! se ducharan primero… Tenemos ya ganada la atención del público. Pero Stephen Hopkins ha mezclado la vida sentimental del corredor; las discusiones dentro del propio seno olímpico norteamericano sobre la conveniencia de asistir a la convocatoria de los JJ. OO: de Berlín de 1936 (pleno auge de Hitler); la amistad de Jesse Owens con uno de sus máximo rivales, Lutz Long (paradigma de la raza aria); el papel de la realizadora Leni Riefenstahl como documentalistas de lo que iba a ser la propaganda nazi; y, por último, la hipocresía de los norteamericanos que critican a los alemanes y ellos mismos no reconocen los mismos derechos entre blancos y negros. Muchos temas, demasiados ramales. No es extraño que entre ellos se pierda la magnífica escena (casi al final) en la que Jesse Owens tiene que acudir a uno de los homenajes que le dispensaron tras su éxito y no le dejan acceder por la puerta principal, lo tiene que acceder por la trasera para que no se mezcle con los invitados. Él que es el objeto de homenaje. Hay que recordar que en su estancia en Alemania, Owens se alojó en los mismos hoteles que los atletas blancos, mientras que en su país, los afroamericanos no tenían los mismos derechos. Dicho lo cual, la cinta se diluye entre tanto frente abierto. No acentúa si en la vitoria ante los nazis, en la propia hazaña de batir 3 records casi en la misma hora, o, tal vez, pudiera haberse decantado en las condiciones de las que surgió Jesse Owens. Es una amalgama que consigue que nos quedemos más con ese hecho histórico a través de unas grandes imágenes. Un ejemplo de este descafeinamiento es cuando «el antílope de ébano» salta al estadio olímpico para disputar la prueba de 100 metros, no hay una pequeña introducción (como son las pruebas eliminares) o no nos ponen sobreaviso que se va a celebrar la prueba que dará con el ganador, con el hombre más rápido del planeta. No nos crea expectación, no nos crea la tensión dramática con la que se llega al cénit, cuando Owens traspasa la cinta. Creí que era una clasificatoria, cuando se oye por megafonía: el campeón olímpico de los 100 metros es Jesse Owens. Me hurtó un buen momento dramático, de esos que te ponen la piel de gallina (no se lo perdonaré).

El hombre de Berlín falla, de forma estrepitosa, en el guion al tener muchas subtramas y no centrarse en lo importante (o lo que quiera destacar) no creando los puntos de clímax necesarios. Pero la propuesta tiene el interés de sacar algo de luz sobre la figura de Jesse Owens. Hijo de un labrador y nieto de esclavos, emigró con su familia hacia el norte afincándose en Cleveland, Ohio. La maestra de la escuela es la que, al nombrarle, Owens contesto que se llama J. C. pero ella entendió Jesse y, por no contrariarla se quedó con Jesse Owens, por el que se le reconoció mundialmente. A pesar de que de pequeño tenía un cuerpo raquítico, con la adolescencia pasó a ser un portento físico. Su carrera comenzó en 1928. Ganó 74 de 79 carreras en las que participó. Diversas universidades se fijaron en él. Pero fue la Universidad de Ohio la que le eligió. No podía ofrecerle una beca de atletismo, pero le ofrecieron un trabajo para él y su padre. Alternó los entrenamientos con el trabajo de ascensorista, gasolinero, camarero y sus estudios. Se convirtió en el primer atleta en ganar cuatro oros en una misma olimpiada. Algo que no se volvió a ver hasta 1984 de la mano de Carl Lewis. A pesar de los logros, no volvió a tener la fortuna de competir (a su regreso tuvo que trabajar como bedel porque «las medallas no se pueden comer». Se dedicó más a las actividades circenses –correr contra un caballo- para sobrevivir hasta que hacia el final de su vida pudo obtener un buen trabajo en puestos de representación, gracias a la ayuda del gobierno americano, que entonces sí, le rescató.

Tournage RACE

Merece una mención aparte el magnífico trabajo de su actor principal Stephan James (Selma, 2014) junto a una atractiva Shanice Banton (atención a esta actriz) en el papel de novia/esposa. Junto a ellos están dos pesos pesados de la industria: Jeremy Irons y William Hurt.

Si habéis llegado hasta aquí, tal vez penséis que se me ha ido la pinza. He comentado más la propia biografía de un gran atleta que la película en sí. Esto es por algo. La cinta me ha decepcionado mucho. No se perdona que aquel que tiene mimbres para destacar se convierta en un mediocre por indolencia o desgana. Esa es la sensación que tengo tras haber visto El héroe de Berlín. Había un diamante en bruto y tras pasar por la industria cinematográfica nos han devuelto (al espectador) unas ricas gemas que no llegan ni de lejos al producto original. Si en una de mis anteriores críticas, Altamira, me refería a ella como un legado para mayor gloria de la familia Botín (Santuola –su descubridor-) aquí no puedo decir lo mismo. El héroe de Berlín no hace justicia a la historia de un hombre negro que fue un luchador, un gran atleta y un excelente embajador de todos aquellos que son vilipendiados por sus creencias, gustos o color de piel. Algo que, muy lamentablemente, sigue sucediendo hoy día tras casi 80 años. Jesse Owens demostró que los logros deportivos tienen una gran importancia tanto en la pista como fuera de ella. Se convirtió en un referente y modelo que aun hoy sigue inspirando a millones de personas. El espíritu de Jesse Owens sigue vivo gracias a su Fundación a cargo de sus tres hijas. Proporciona ayuda económica, apoyo y servicios para personas, con potencial y que lo necesitan para desarrollar su talento.

WJesse Owens

“Tal vez ningún atleta simbolizó mejor la lucha del hombre contra la tiranía, la pobreza y la intolerancia racial. Sus triunfos personales fueron el preludio de una carrera dedicada a ayudar a los demás. Su trabajo con los jóvenes atletas, como embajador no oficial en el extranjero, y portavoz de la libertad son un rico legado a sus conciudadanos”.

Presidente Jimmy Carter, tras la muerte, el 31 de marzo de 1980, de Jesse Owens

Anécdota

En ese maremágnum de subtramas, cuando Jesse Owens ya se encuentra en Berlín, su entrenador casi es detenido cuando va a por unas zapatillas «especiales» para su atleta. Se trataba de una fábrica («Gerbüder Dassler Schuhfabrik») de dos hermanos, hijos de un zapatero, Adi Dassler y Rudolf Dassler. Confeccionaban unas zapatillas con materiales de buena calidad, perfecta manufactura y calidad extrema. Y con unos tacos en su punta. Las bondades del calzado habían llegado a los oídos del entrenador alemán. Pero fue Jesse Owens el encargado de glorificar las zapatillas. Otra afrenta, pues los hermanos Dassler eran fervientes admiradores del nazismo (pero ya se sabe que los intereses económicos no entienden de escrúpulos). Llegó la II Guerra Mundial y los alemanes desmantelaron la fábrica de calzado para destinarla al equipamiento bélico. Al finalizar la contienda las pequeñas desavenencias que tenían al principio, se convirtieron simple y llanamente en odio. Adi fundó Adidas y Rudolf fundó Puma. Crearon sus emporios deportivos y murieron odiando cada uno al otro. Esto da para otro guion de película.

Por cierto, si alguien sabe de alguna buena biografía de Jesse Owens que nos mande la reseña. Acabo de leer un buen libro que narra unos hechos que también se centran en los Juegos Olímpicos de Berlín y en cómo un equipo de remeros derrotó, en las narices de Hitler, a los alemanes por un solo segundo en la final de remo de ocho con timonel. Su autor es Daniel James Brown y lleva por título Remando como un solo hombre.

Os dejo un tráiler:

Luisjo Cuadrado

Revista Atticus


 XI Festival de Jazz de Castilla y León en el LAVA de Valladolid

 

Desde el 17 de abril se ha celebrado en el Sala Concha Velasco del Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA) la XI edición del Festival de Jazz de Castilla y León, con una programación de conciertos dedicados a homenajear a la voz femenina del jazz y al saxofón.

La Fundación Municipal de Cultura organiza esta programación de forma ininterrumpida desde sus inicios en 2005. En la actual edición tres de estos conciertos, los dedicados a la voz femenina, se realizarán en colaboración con la Junta de Castilla y León dentro del programa de la Red de Teatros, la propia Fundación incorpora dos actuaciones más; la del prestigioso saxofonista internacional Ernie Watts y la participación habitual del director artístico José Luis Gutiérrez, conformando así una de las mejores programaciones de jazz de nuestra comunidad.

 

José Luis Gutiérrez

José Luis Gutiérrez saxofonista oriundo de Valladolid, se está convirtiendo en uno nuestros jazzistas más internacionales.

Acuñó el término Iberjazz para definir su particular estilo musical. «Las culturas musicales ibéricas son como la harina y la libertad del jazz es el agua, ambos amasados a mano, la valentía es la sal y la levadura es la creatividad, la personalidad. El resultado es un pan cocido en horno de leña, con paciencia y amor, un pan de hoy, pero cuyo olor nos transporta a otra época».

José Luis Gutiérrez - Foto Chusmi10

José Luis Gutiérrez – Foto Chusmi10

Como viene siendo habitual, presentó uno de sus conciertos «didácticos» cuyo objetivo es divulgar el jazz entre todo tipo de público.

«Maestros del saxofón» propone un recorrido por la evolución de uno de los instrumentos más importantes de la historia del jazz

Se presentará la gran familia de saxofones: barítono, tenor, alto, soprano y sopranito. Se hablará de sus orígenes y también aparecerán sus predecesores: el clarinete o la trompeta. Se interpretarán los estilos más característicos del jazz: el dizzyland de New Orleáns, la época dorada del swing, el bibop, hartbop, free, fusion, funk, cool jazz, etc.

Y por supuesto aparecerán los grandes maestros del saxofón como: Coleman Hawkins, Sydney Bechet, Ben Webster, Charlie Parker, Paul Desmond, Ornette Coleman, John Coltrane, Stan Getz, Maceo Parker, Gerry Mullygan o Sonny Rollins.

 

José Luis Gutiérrez - Foto Chusmi10

José Luis Gutiérrez – Foto Chusmi10

José Luis Gutiérrez - Foto Chusmi10

José Luis Gutiérrez – Foto Chusmi10

 

 

Tommy Caggiani Therion Project y Twana Rhodes

Tommy Caggiani Therion estrenó el pasado 19 de abril en el LAVA, dentro del programa del XI Festival de Jazz de Castilla y León, su nuevo proyecto musical, que cuenta con la artista multicultural Twana Rhodes como vocalista invitada

Tommy Caggiani. Baterista, percusionista, compositor y musicoterapeuta.

Profesor de Batería Jazz y Membranófonos de la tradición no-occidental en el Conservatorio Superior de Jazz de Navarra. Músico de jazz y músicas del mundo.

De origen italiano, este músico nómada ha residido en Sudamérica, Estados Unidos, varios lugares de Europa y también en Castilla y León.

Su formación como músico-terapeuta influye profundamente en su manera de hacer música. Utiliza ritmos y sonoridades curativas. Sus composiciones mezclan la improvisación y músicas del mundo, estilo que ha venido a denominarse World Jazz, es en este concepto donde se encuentra  con la cantante Twana Rhodes, quien también tiene la multiculturalidad como forma da vida. Nacida en territorio Comanche en Oklahoma, EEUU, creció en Texas donde estudió música, danza y teatro. En la actualidad vive en Berlín.

El Tommy Caggiani Therion Project persigue «una experiencia musical, emocional y perceptiva para el alma», según su creador, que toca batería y percusión al frente de una banda formada por Max Canalda (guitarra eléctrica), Germán Ruiz-Alejos (bajo eléctrico), Diego Belzunegui (piano, teclados) y Guillem Ferrer (saxo alto).

El Festival de Jazz de Castilla y León tiene el honor de estrenar esta colaboración entre estos dos singulares artistas, que proponen una música optimista envuelta en humanidad. Una forma de celebrar la vida.

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

Tommy Caggiaani Therion Project / Twana Rhodes. Fotografía: Chuchi Guerra

 

Cosmosoul

Alana Sinkëy, originaria de Guinea-Bisau y nacida en Portugal da la voz a este grupo; Abel Calzetta desde Buenos Aires (Argentina) es el guitarrista; Manuel Pablo Sanz, el bajista madrileño; Sergio Salvi, teclista desde Nápoles y Akin Onasanya desde Lagos (Nigeria) que se encarga de la batería y percusión, son los componentes de este quinteto que nace de la fusión de los perfiles musicales de sus integrantes.

Cosmosoul nace de la unión de 5 elementos de diferentes culturas para hacer música original explorando el Soul y la música negra desde el ambiente cosmopolita de Madrid. Aunque residen en España la formación mezcla a la perfección tres continentes y cinco países distintos. Este crisol representa el alma del grupo. Llegan a Valladolid presentando su último disco Sunrise con el que han obtenido el premio: “Mejor Grupo de Música Negra” en 2012 (premios Guilles 2012), y les ha consolidado como uno de los principales referentes de su estilo en nuestro país. Se trata de una propuesta musical fresca y elegante con influencias en el Soul y R&B, que abarcan matices desde principios de los 70 hasta los sonidos más actuales.

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

Cosmosoul. Fotografía: Chuchi Guerra

 

Speak Jazzy

Speak Jazzy es la banda heredera de la formación del baterista Larry Martin.

Tras la desaparición de Larry, el resto de sus componentes decidieron continuar creando repertorio y manteniendo la formación activa. Actitud muy celebrada por todo la comunidad del jazz.

Sheila Blanco es una fabulosa cantante. Natural de Salamanca, posee incalculables matices vocales. Será un gran descubrimiento para aquellos que no la conozcan y un nuevo deleite para los que ya la hayan escuchado.

El gran contrabajista Richie Ferrer asume la tarea de la composición y arreglos. El veterano guitarrista Enrique García, único miembro que queda original de la Larry Martin Band, aporta el sello fundamental al grupo. Miguel López pianista y saxofonista es profesor de Musikene y completa la formación el sólido baterista Antonio Calero.

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

Speak Jazzy. Fotografía: Chuchi Guerra

 

Ernie Watts Quartet

Ernest James Watts (23 de octubre de 1945), más conocido como Ernie Watts, es un músico de jazz y rhythm and blues. Toca el saxo tenor, saxo alto, saxo soprano y flauta. Es uno de los saxofonistas de mayor nivel de la escena internacional. En 1981 llegó a participar en la gira con The Rolling Stones.

Ha hecho música para cine durante más de 25 años. Alguna de esas películas son, El Color Púrpura, Los Cazafantasmas, Tootsie, Fama, y The Fabulous Baker Boys, entre muchas otras. También grabó discos de estudio con Marvin Gaye, Frank Zappa, Aretha Franklin o Steely Dan.

En el ambiente del jazz grabó con Thelonious Monk, Freddie Hubbard, Oliver Nelson, Clark Terry, Jean-Luc Ponty, y Quincy Jones, quien produjo el primer álbum de Watts ganador del Grammy Carros de fuego. A partir de entonces Charlie Haden y Ernie Watts tocaron juntos durante más de 25 años.

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Ernie Watts Quartet. Fotografía: Chuchi Guerra

Fotografías: Chuchi Guerra

(con la colaboración de Chusmi 10)

Revista Atticus


Crítica Julieta. Un nuevo Almodóvar

WCartel Julieta

Ficha

Película: Julieta.

Dirección y guion: Pedro Almódóvar.

Reparto: Emma Suárez, Adriana Ugarte, Inma Cuesta, Rossy de Palma, Michelle Jenner, Pilar Castro, Nathalie Poza, Darío Grandinetti, Daniel Grao.

País: España. Año: 2015. Duración: 95 min. Género: Drama.

Música: Alberto Iglesias.

Estreno en España: 8 Abril 2016.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

 

Sinopsis

Julieta vive en Madrid con su hija Antía. Las dos sufren en silencio la pérdida de Xoan, padre de Antía y marido de Julieta. Pero el dolor a veces no une a las personas sino que las separa. Cuando Antía cumple dieciocho años abandona a su madre, sin una palabra de explicación. Julieta la busca por todos los medios, pero lo único que descubre es lo poco que sabe de su hija. La película habla de la lucha de la madre para sobrevivir a la incertidumbre. Habla también del destino, del complejo de culpa y de ese misterio insondable que nos hace abandonar a las personas que amamos, borrándolas de nuestra vida como si nunca hubieran significado nada, como si no hubieran existido.

 

Comentario

Nadie discute que Pedro Almodóvar tiene un estilo propio. Desde Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón (1980) hasta Julieta (2016) son veinte películas que cada una de las cuales lleva su impronta y en su conjunto confiere un cine personal, de autor, pues se enfrentó a los cánones que hasta entonces regían convirtiéndose así en un iconoclasta. Películas que podrán o no gustar (me quiero olvidar de Los amantes pasajeros, 2013), pero lo que nadie duda es que son reconocibles como un producto del director manchego. Es decir, tiene un estilo definido. Creo que esto es una de las mejores cosas que se puede decir de un creador. Ya sea en el campo de fútbol, donde destaca en los último años el Fútbol Club Barcelona con su juego de toque al que podemos añadir los gloriosos años que nos ha proporcionado (y esperemos que siga así) nuestra selección nacional de fútbol con su famoso tiqui-taca. En el mundo del arte tenemos ejemplos muy claros con un estilo definido y bien característico en las obras de Botero (con sus inmensas gordas), Dalí o Picasso. Son algunos ejemplos. En el cine, en los últimos años, Tarantino también imprime su sello característico. Y así podíamos seguir en diferentes disciplinas. Ya me gustaría a mí (en eso estoy) de encontrar mi estilo, de encontrar mi voz a la hora de hablar de cine. Pedro Almodóvar tiene ese sello personal que hace que su cine sea reconocible. En sus películas podemos encontrar unos diálogos brillantes (en sus comienzos provocadores); un humor cercano al surrealismo; en una primera fase con una clara influencia del neorrealismo italiano a la Nouvelle Vague (rodaje con pocos medios, presencia cámara al hombro o personajes reales que no son actores). Un rasgo diferenciador es, sobre todo en sus inicios, la estética del Pop-Art, incluso pretenciosa, cursi o de mal gusto, pasada de moda (kitsch). En las últimas entregas permanece esa fuerza estética simpar. Almodóvar maneja como nadie los códigos de los colores. Su cine es el cine de la pasión, intenso y desmedido  y su ley es la ley del deseo. Su cine es rojo carmín, bermellón, azul Prusia, cerúleo, amarillo…  Incluso con la novedosa presencia del color blanco como importante contrapunto. El género donde se puede encuadrar sus obras es el melodrama con la mujer como principal protagonista. Es, ha sido y será un estudioso de la mujer. Es el que mejor las comprende y las ha llevado a la gran pantalla. Prostitutas, travestís, amas de casa, madres, hijas. Todo el universo femenino. Y, por último, otro rasgo característico es el uso de primeros planos centrados en el rostro de los actores o primerísimos planos de detalle como unos tacones o en el caso que nos ocupa, ese juego con la tela roja meciéndose con el aire con el que arranca Julieta, maravilloso e hipnótico que constituye un magnífico preámbulo.

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Lejos de aquel agitador cultural inmerso en «la movida» en Julieta vemos una obra contenida, llena de drama y tragedia que llega a nuestros corazones sin que para ello haya tenido que recurrir, el director manchego, a la lágrima fácil. Es más, hay ausencia de lágrimas (hasta en los momentos más trágicos y que estaría plenamente justificados). Al principio asistimos a lo que parece un cambio de vida al realizar una mudanza en la vida de la pareja Julieta/Lorenzo. Pero, un encuentro casual con Bea (una antigua e inseparable amiga de su hija Antía) provoca una catarsis en Julieta. Vemos como se le muda la cara al saber que su hija está más delgada, que vive cerca de Como y que tiene ¡tres hijos! Ahí es cuando el espectador se da cuenta de que algo ha pasado en la vida de Julieta para que no sepa que ha sido abuela. Nos intriga y nos engancha. Y a partir de ahí, asistimos al relato doloroso por medio de una especie de diario de una madre a la deriva emocional que le hace cambiar los planes originales y volver a la casa donde vivió con su hija para tratar de reencontrarla allí donde fueron felices.

Uno de esos rasgos característicos en la producción de Almodóvar es el gran trabajo que hay en la interpretación. De siempre se ha dicho que es un mago en la dirección de actores/actrices y que esa fama le granjea simpatías entre este gremio. Se lo disputan. Emma Suárez es una de nuestras grandes actrices. Ella es la encargada de interpretar a una Julieta en su edad madura, esa misma edad en que le ha llegado el papel de Almodóvar. Una madre que ha sufrido demasiados reveses en la vida pero que quizás el más doloroso es el que no acaba de comprender: la marcha de su hija sin ninguna explicación (esto podía ser considerado como un spoiler, pero es que lo dice la sinopsis oficial, que a mi entender desvela demasiada información). Es un gran trabajo, nada fácil, pues tiene que estar muy contenida en un personaje complejo. Su adolescencia la interpreta una Adriana Ugarte maravillosa. Dulce, encantadora. Con ella, como profesora de literatura clásica, habría mucho más amor hacia los textos clásicos. No me refiero tanto a lo físico sino a la pasión que aflora al comentar un texto en su clase. Lo borda.

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Este recurso de emplear a dos personas para un mismo papel en diferentes épocas tiene un enorme riesgo, pero el director manchego lo ha sabido solventar de forma brillantísima. Es clave el momento de la elipsis en que ambas son una misma persona. Los más entendidos en cine dicen que esto ya lo hizo Bergman en Recuerda. Resulta mucho más convincente, el uso de dos personajes para un mismo papel, que hacer envejecer al protagonista mediante largas horas de maquillaje con un resultado que, a veces, roza el ridículo. Inma Cuesta brilla con luz propia. Rossy de Palma está que se sale con un papel lleno de gracia y de mala baba. Nos quedamos con ganas de ver más tiempo a Michelle Jenner. Como se ve hay una renovación en «las chicas de Almodóvar». Savia nueva. En el lado masculino tenemos al inmenso Dario Grandinetti quien con su sola presencia en la pantalla ya transmite algo. Y así actúa como Lorenzo, como ese compañero necesario en nuestra vida que asiste al dolor de Julieta sin poder hacer más que eso, que observar, calladamente, y estar ahí junto a ella, a su lado, con mucho respeto. Y Daniel Grao que cumple con creces en su papel de marido de Julieta. No faltan los habituales cameos típicos en las producciones de Pedro Almodóvar: su hermano Agustín, su amiga Elena Benarroch, Bimba Bosé o Esther García, productora.

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La puesta en escena es elegante, delicada y muy sobria. Resulta muy potente. Desde esos llamativos interiores del tren donde Julieta conoce al que será su marido, hasta la decoración de las distintas habitaciones en que sucede la acción. Papeles pintados imposibles, obras pictóricas (Serra o Lucien Freud), paredes de colores vivos o mobiliarios pop-art. El juego que hace en algunos momentos del plano y contraplano del rojo pasional al virginal blanco es magnífico (con Emma Suárez y Darío Grandinetti). Ahí es un genio Almodóvar. Por el contrario nos encontramos con una narración  pausada, sin excesivos artificios, ni exageración chiflada. No falta ese elemento mágico de un ciervo corriendo tras el tren. Todo está atado, contenido, y fluye de forma natural en el drama que supone perder lo que uno más quiere y en tratar de recuperarlo. Incluso ese final está excelentemente logrado, pues sales del cine queriendo saber más, queriendo saber qué es lo que va a pasar a continuación con nuestros protagonistas. Otro gran mérito.

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El guion es obra del propio Almodóvar, algo habitual en él. Se ha basado en tres relatos de la premio Nobel de Literatura Alice Munro: Destino, Pronto y Silencio. Precisamente así se iba a llamar esta última entrega, pero la coincidencia con el film a punto de estrenarse de Martin Scorsese le desaconsejó su uso. Había una Juliet como protagonista pero no con una trama lineal. Almodóvar en un principio pensó en ambientarla en Canadá como la obra original. Tuvo que desechar la idea para retomar el libreto un par de años después y centrarse en España. Esta obra supone la tercera adaptación de un texto ajeno, tras Carne trémula (1997) y La piel que habito (2010).

La banda sonora es la acentuación de la película, poniendo los signos –las tildes- justo allí donde son necesarios. Como siempre ahí está, brillante, Alberto Iglesias. Se echa en falta algún tema vocal (aunque parezca mentira, nadie canta en esta ocasión en la cinta) del tipo de Concha Buika o Caetano Veloso. Aunque eso sí, en los títulos de crédito echa mano de su amada Chavela Vargas, con el tema Si no te vas (lleno de dolor, claro está, y esa voz rasgada tan peculiar).

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Todo esto hace que Julieta sea una película muy interesante tanto en la producción almodovarina como en el panorama actual de nuestro cine. Parece que el director haya querido cambiar todo para que todo siga igual. De ahí todo el plantel nuevo de protagonistas (salvo Grandinetti), la ausencia de canciones e incluso un nuevo director de fotografía, Jean-Claude Larrieu (atención a un bellísimo plano interior con Julieta de blanco escribiendo –ver fotograma arriba-). Julieta tiene una estructura sólida, con buenos diálogos, estudiados planos y su mayor activo radica en la manera en qué está narrada: de forma pausada contenida y sólida. Si a esto le sumamos unas grandes interpretaciones, sobre todo de las dos mujeres que acometen el papel de Julieta: Emma Suárez y Adriana Ugarte (con uno de los mejores ejemplos de elipsis, sin brusquedad y sin saltos molestos) nos encontramos con un Almodóvar más preciosista y formal que nunca. Nace un nuevo Pedro Almodóvar. Bienvenido.

P.D. Una pega a El Deseo y la distribuidora Warner Bros. En estos tiempos que vivimos no es de recibo no tener una página web de la película en condiciones con contenido multimedia de acceso general, tanto para particulares como para profesionales. Ni una ni otra la tienen. Han sido capaces de crear una para el Facebook, sin más. Lamentable.

Os dejo un tráiler:

Imagenes de Julieta, distribuida en España por Warner Bros. Pictures International España © 2016 El Deseo. Todos los derechos reservados.

Luisjo Cuadrado

Revista Atticus

 

Altamira de Hugh Hudson

¡Cosas maravillosas, bajo la tierra!

Ficha

Wposter_altamiraPelícula: Altamira.

Dirección: Hugh Hudson.

Reparto: Antonio Banderas, Golshifteh Farahani, Nicholas Farrell, Henry Goodman, Pierre Niney, Clément Sibony, Rupert Everett, Allegra Allen.

Países: España y Francia. Año: 2016. Género: Drama.

Guion: José Luis López Linares y Olivia Hetreed.

Música: Mark Knopfler y Evelyn Glennie.

Estreno en España: 1 Abril 2016.

 

Sinopsis

Año 1879. Entre las verdes colinas y los picos rocosos de la costa de Santander, María Sautuola (Allegra Allen), una niña de 9 años, y su padre, Marcelino (Antonio Banderas), un arqueólogo aficionado, descubren algo extraordinario que cambiará la historia de la humanidad para siempre: las primeras pinturas prehistóricas encontradas hasta entonces: unos impresionantes bisontes al galope trazados con gran detalle. Pero la madre de María, la dulce y devota Conchita (Golshifteh Farahani), no es la única perturbada por este descubrimiento. La iglesia Católica considera que la afirmación de que las pinturas sean obra de prehistóricos “salvajes” es un ataque a la verdad bíblica. Y, sorprendentemente, la comunidad científica liderada por el prehistoriador Émile Cartailhac (Clément Sibony) también acusa de fraude a Marcelino y a su descubrimiento. El mundo idílico de María se derrumba y sus intentos por ayudar sólo empeoran las cosas. La familia entra en una fuerte crisis y cierra la cueva. Será necesario todo el amor que se tienen para encontrar el camino hacia la redención y el reconocimiento.

Comentario

Acabamos de leer en la prensa el descubrimiento de una pintura que se atribuye a Caravaggio. Y unos días antes, se anunciaba que se seguirá investigando para ver que misterios esconde la tumba de Tutankamon. Ambas noticias suscitan muchos recelos. Muchos más produjo el hallazgo de las pinturas rupestres en la denominada cueva de Altamira. Marcelino Sanz de Sautuola sabía que había encontrado «algo gordo» que, seguramente, revolucionaría lo hasta ahora establecido en el campo de la prehistoria. Altamira, la película, nos narra las vicisitudes por las que tuvo que pasar tanto él como su familia tras dar a conocer el descubrimiento de lo que se ha denominado como la capilla Sixtina del arte rupestre: la cueva de Altamira.

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Estos hechos están contados como si de un documental se tratara a cargo del director, Hugh Hudson (dirigió Carros de fuego allá por el año 1981 -después no se ha prodigado mucho en las tareas de dirección-). Fue un momento clave en la historia del arte y que vino a zaherir a una Iglesia que ya estaba un tanto tocada con la teoría de la evolución de Darwin que rechaza de forma categórica el creacionismo (el hombre creado a imagen y semejanza de Dios y este como creador del mundo con una población humana a partir de Adán y Eva). Pero también Sanz de Sautuola encontró detractores en el propio campo de la ciencia, en la antropología, y también en la arqueología. Sobre todo personificados en la persona de Émile Cartailhac (un arqueólogo francés considerado como una eminencia en el campo de la prehistoria). Cartailhac tenía establecida su línea temporal y no aceptaba que esas pinturas «tan modernas» fueran obras de un ser humano que estaba sobre la tierra algo más de 10.000 años (posteriormente las pinturas de Altamira se han datado con equipos modernos y señalan una antigüedad cercana a los 15.000 años). Cartailhac tachó a Sanz de Sautuola de farsante, de haber realizado un montaje para darse notoriedad –fue un investigador autodidacta alejado de los círculos de eruditos universitarios-. Como bien expresa Almudena Martínez Martín en su artículo Los bisontes de Altamira (publicado en Revista Atticus 28, páginas 51-58), no hay que olvidar que: «En la Península Ibérica, el descubrimiento de la Cueva de Altamira en 1879 representó la apertura de un nuevo aspecto en la concepción de la evolución humana y obligó a dar una nueva orientación a la visión que hasta ese momento se tenía de la vida y costumbres de los grupos humanos prehistóricos». Iglesia (religión católica) y ciencia enfrentadas. Y el asombroso hallazgo enterrado de nuevo. Fueron necesarios nuevos descubrimientos que arrojaran algo de luz sobre la autoría de las pinturas. Algo más de veinte años después, en 1902, el propio Émile Cartailhac (que se negó tan siquiera a viajar a Altamira) reconoció su error y rectificó públicamente con el artículo La grotte d’Altamira, Espagne. “Mea culpa” d’un sceptique, después de que se encontraran en Francia otros restos artísticos del Paleolítico. Demasiado tarde para Marcelino Sanz de Sautuola que falleció sin obtener el reconocimiento de haber sido un visionario al creer en la autenticidad y la importancia de los hallazgos de «los bueyes» de su hija María.

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La película es un rendido homenaje a Sanz de Sautuola. Lucrecia Botín es la productora (Morena Films), es sobrina del fallecido presidente del Banco Santander, Emilio Botín, y también es tataranieta del descubridor Marcelino y bisnieta de María Sanz de Sautuola, aquella niña que con su curiosidad reparó en las pinturas rupestres.

En cuanto a los actores, Antonio Banderas realiza un papel muy creíble. Se muestra muy entusiasta cuando descubre e investiga los hallazgos y se muestra derrotado cuando es acusado de farsante. Me gustó su actuación. También es destacable la presencia de un irreconocible Rupert Everett, caracterizado como un malvado sacerdote rural que adoctrina desde el púlpito (impone y da miedo) y se aprovecha de la inocencia de Conchita, la mujer de Marcelino. Un papel interpretado brillantemente por una bella y exótica Golshifteh Farahani (A propósito de Elly, Asghar Farhadi, 2009 y  Exodus, Ridley Scott, 2014)).

 

W12916714_1124253594275561_3465257176078736221_oLa música nos llega a cargo de un clásico, de Mark Knopfler acompañando de Evelyn Glennie, una compositora y percusionista sorda. Gracias a esta discapacidad la música se muestra extraña en las ensoñaciones con los bisontes y las recreaciones en la cueva. De esta manera nos transmite una cierta profundidad y primitivismo.

El paisaje y las localizaciones cántabras aportan su grano de arena. Los paisajes lucen espléndidos denotando un gran trabajo de fotografía. Santilla del Mar y los acantilados son evocadores.

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El director se apoya en recursos digitales para dar vida a los bisontes. Creo que no era necesario echar mano a ello, pero en las ensoñaciones de la niña cuadran muy bien. Fue casi una obsesión enfermiza para toda la familia Sanz de Sautuola.

Es una película interesante de ver para todos aquellos amantes, sobre todo, de la historia del arte, más que del cine, a pesar de ese guiño a la historia de la industria al presentarnos a los bisontes como si se movieran al incidir la luz sobre ellos. Quizá resulte algo insulsa a causa de un guion anodino. Pero aporta luz (aunque ya es de todos sabidos) al gran hallazgo que supuso toda una revolución al considerar que esa magníficas pinturas rupestres pudieran ser obra de un «hombre primitivo» al que se le asociaba con la carencia de sensibilidad. Atractivo debate el que suscita entre religión y ciencia. Fue un momento clave hasta el punto de que hubo que esperar más de veinte años para que se tuvieran en cuenta los hallazgos de Altamira. No habrá que esperar tanto para saber si lo que se esconde tras la cámara de la tumba de Tuntankamon es una operación de marketing (el turismo en horas bajas en el antiguo Egipto) o realmente alberga, como dijo Howard Carter al descubrir la tumba del joven faraón y al ser preguntado por lord Carnarvon que qué veía: ¡cosas maravillosas!

Os dejo un tráiler:

Luisjo Cuadrado

Revista Atticus


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