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El secreto de Adaline

El mito de la eterna juventud

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Película: El secreto de Adaline.
Título original: The age of Adaline.
Dirección: Lee Toland Krieger.
Reparto: Blake Lively, Harrison Ford, Michiel Huiman, Ellen Burstyn, Kathy Baker, Amanda Crew. Guion: J. Mills Goodloe y Salvador Paskowitz.
Guionista: J. Mills Goodloe y Salvador Paskowitz.
País: USA. Año: 2015. Duración: 112 min.
Género: Drama, romance.
Distribuidora: eOne Films Spain.
Estreno en España: 31 Julio 2015.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis
Adaline Bowman, quien a los 29 años milagrosamente dejó de envejecer por ocho décadas, ha llevado una vida solitaria. Sin embargo, un encuentro casual con el carismático filántropo Ellis Jones despierta su pasión por la vida y el amor. Un fin de semana con los padres de Ellis pone en riesgo su secreto, por lo que deberá tomar la decisión que cambiará su vida para siempre.

Comentario
El secreto de Adaline es una película que la podemos poner en relación con las grandes cintas de romances apasionados al estilo de El diario de Noa (Nick Cassavetes, 2004), Mensaje en una botella (Nicholas Sparks, 1999) o Un paseo entre las nubes (Alfonso Arau, 1995). Sin embargo, al añadir un elemento «mágico» la podemos poner más en relación a El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2009), ¿Conoces a Joe Black? (Martin Brest, 1998) o la serie Forever que podemos contemplar en nuestras televisiones en la actualidad.

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Buen trabajo de fotografía

 

Adaline Browman nació en los primeros años del siglo XX. Se casó con uno de los ingenieros que construyeron el Golden Gate de San Francisco (el archifamoso puente se comenzó a construir en 1933 finalizándose en 1937). Poco antes de finalizar el puente, un desgraciado accidente acabó con su vida y la de otros cuántos compañeros (basado en un hecho real –por aquel entonces las muertes en el trabajo eran bastante frecuentes, sin embargo en la construcción del Golden Gate se emplearon excepcionales medidas de seguridad como redes para evitar caer al mar, pero aún así sucedió la tragedia-). Dejó a Adeline con apenas 29 años y una niña, Flemming. Un buen día cuando regresaba a casa conduciendo su coche, de forma inusual comienza a nevar y Adaline sufre un accidente volcando su coche a orillas del río. Como consecuencia de las heridas queda inconsciente y sumergida en el agua, en parada cardiaca. Pero se produce un hecho milagroso: un rayo alcanza el coche y engendra una gran descarga eléctrica. Como consecuencia de ello, Adaline revive y su cuerpo, de ahí en adelante, no envejecerá. Su aspecto siempre será tan fresco y lozano causando la admiración y envidia de sus amigas. Pero tiene un lado negativo: si se desvela su secreto corre el peligro de convertirse en una atracción de feria. Para ello tratará de mantenerse a salvo su integridad huyendo de la ciudad cada diez años y adquiriendo una nueva identidad. La única que sabes su misterio es su hija Flemming.

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El interés por alargar la vida, conseguir la inmortalidad o el mito de la eterna juventud es una constante en la historia de la humanidad. Todas las culturas, de una manera u otra, reflejan esta preocupación universal. Cuenta la leyenda que Eos (la Aurora) se enamoró de un joven troyano. Tan ricamente se encontraba en esa situación que le pidió al dios Zeus que le concediese la inmortalidad. El bueno de Zeus se la concede. Pero a Eos se le olvidó una cosa muy importante: que le concediese la inmortalidad al objeto de su amor. Esta leyenda parece ser el origen de El secreto de Adaline.

El secreto de Adaline tal vez esté en la sonrisa

El secreto de Adaline tal vez esté en la sonrisa

Lee Toland Krieger (dos películas en su haber, pero inéditas en nuestro país, The vicious kind -2008-, y Celeste and Jesse Forever -2012-), junto con sus guionistas, no presenta una historia de amor pero donde el elemento mágico tiene más peso. Conjuga sabiamente la inmortalidad con la casualidad de los accidentes. Desconozco si es posible la inmortalidad de un ser humano dándose las condiciones que se dan en el suceso que narra la película. De ser posible, algunos se habrían dado más de un calambrazo. Pero nos lo explican muy bien en El secreto de Adaline. Un narrador omnisciente nos ayuda a hacer creíble esta historia, este bonito cuento con el mito de la eterna juventud como tema. El director muestra grandes maneras. El accidente de Adaline está rodado de forma magistral. Nos mete en el interior del coche justo en el momento del vuelco y casi sentimos los golpes de tanto vaivén. A lo largo del film podemos ver imágenes poderosas como, por ejemplo, la del autocine. Es un elemento que tiene todo cuento: una escena mágica en la que un personaje nos deslumbra.En estas circunstancias no dejo de acordarme de una escena mítica en la historia del cine. Habría que remontarse a 1997 cuando Anthony Minghella, en El paciente inglés, los dos protagonistas Hana (Juliette Binoche) y Kip (Ralph Finnes) descubren mediante un sistema de poleas y oscilando en el aire a luz de una bengala, los frescos de la iglesia de San Francisco en Arezzo, Italia, de Piero della Francesca. Sobrecogedora secuencia. No la voy a desvelar lo que sucede en el autocine, solo diré que aunque la idea es muy buena, no logra (del todo) el efecto perseguido. También muestra su maestría en los planos cenitales (sobre todo al principio). Excelente fotografía y buena banda sonora.

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Uno de los grandes aciertos que tiene la cinta es haber conseguido una variada y rica ambientación de las diferentes épocas que vive la protagonista que son casi ocho. En ella se focaliza los cambios ya sea por medio de la ropa o por los peinados y el maquillaje. Toda la puesta en escena está muy lograda, con una estética cuidada hasta el más mínimo detalle. Basta fijarnos en una de las fotos que acompaña a esta crítica para darnos cuenta de ello. El rostro de Adaline (Blake Lively) está iluminado de forma perfecta, sin brillos, con suavidad sin grandes contraluces. Magnifica fotografía. No sé dónde se había metido antes esta mujer (papeles desconocidos o sin relevancia, Gossip Girl –serie TV, 2007- The TownCiudad de ladrones, Ben Affleck, 2010), pero creo que ha dado con su personaje. Le permite lucir un variado repertorio. Bien es cierto que es el mismo papel con diferente vestuario. Está radiante. Posiblemente sea la actriz que mejor sabe sonreír a la cámara. Parece que es otra actriz cuando la vemos con esa sonrisa luminosa. Ese lunar que tiene no sé a quién me recuerda.
Si seguimos con el reparto, su compañero, el objeto de su deseo, es Ellis Jones (Michiel Huisman). A diferencia de Blake, este actor ha trabajado en Juego de Tronos y, por lo tanto, es más conocido. Aporta físico (con escena innecesaria saliendo de la ducha para lucir palmito) y poco más, aunque a buen seguro suscitará más de un suspiro. Ambos conforman una pareja de película. Adaline es guapa (salta a la vista), culta (capaz de ganar al Trivial sin despeinarse), delicada e inteligente (gracias a su «anomalía» sabe invertir a largo plazo). Tantos años vividos le aportan ese saber estar, ese no sé qué, que atrapa. Ellis es guapo (obvio), encantador (no ha sucumbido al consumismo y mantiene su destartalado descapotable), y es un hombre que ha triunfado, se ha hecho rico vendiendo una aplicación. Pero no es un amasafortunas sino que se dedica a la filantropía. Y claro… inevitable romance. Ante estos dos «desconocidos» había que meter un gran reclamo. Y no es otro que Harrison Ford. Su actuación: división de opiniones. Le encuentro mayor (lógico) y la perilla que luce, no le va nada. Pero su corto papel lo desarrolla muy bien. Otro corto papel está reservado para una veterana: Ellen Burstyn, a la cual ya vimos también en Interstellar (Christopher Nolan, 2014).

El mito de la inmortalidad de Eos aparentemente lo que valora es la belleza, la juventud. Pero no es menos cierto que lo que en realidad está haciendo, al haberse olvidado pedir la inmortalidad para su amado, es revalorizar la vejez, la sabiduría de la experiencia. La vejez es fuente de sabiduría y conocimiento (Adaline bien lo demuestra en la prueba del Trivial). Adaline siempre joven es algo ilusorio. Esa eterna juventud la convierte en un mutante, un muerto viviente. Es una persona vacía, triste, que ve pasar la vida sin poder aferrarse a algo que la dé seguridad. Todo a su alrededor es pasajero. Por eso no duda en pedirle a Ellis: «Dime algo a lo que pueda aferrarme para siempre y no dejarlo ir”. Adaline está cansada de su condena, de tener que huir de aquellos a quienes pueda amar para que estos no desvelen su secreto.
La narración de esta historia podía presentar problemas pero está resuelta de forma brillante por medio de flashback que se apoyan en una buena ambientación. Había que ver el pasado de Adaline con el momento del accidente y había que ver esa relación que le marcó y que volverá a tener su peso en el presente. La película engatusa al espectador desde el primer momento. Irradia cierto magnetismo por esa estética tan cuidada, por la narración (de la voz en off) que nos va introducción en la historia y nos va desvelando esos datos científicos necesarios. Todo ello conforma un producto para el consumo fácil, sin más pretensiones, pero que resulta entretenida y gustosa de ver. Habrá que prestar atención para ver si la actriz Blake Lively tiene más oportunidad de lucir algo más que una sonrisa.

Os dejo un tráiler:

Luisjo Cuadrado
Revista Atticus


Marcador

Universijazz Valladolid 2015 con fotografías de Chuchi Guerra

Un año más Universijazz acudió a su cita veraniega. En la decimocuarta edición contó con la participación de cuatro grandes figuras que interpretaron sus temas en el patio de la Hospedería de san Benito, Valladolid del 14 al 17 de julio de 2015.
Marceo Parker (Kinston, Carolina del Norte, 1943). Para muchas es el heredero artístico de James Brown (fue su padrino y empezó a grabar con él en los primeros años del 60. Su saxo se puede oír en el mítico Sex machine de James Brown. Ha publicado más de una veintena de trabajos propios además de su participación en innumerables trabajos con los grandes músicos del soul.

 

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Nettwork. Es una banda dirigida por el contrabajista Charnett Moffett, una leyenda del bajo en la música de jazz (más de doscientos discos en solitario y un sinfín de colaboraciones con artistas como McCoy Tyner, Ornette Coleman o Wynton Marsali). En Nettwork se ha rodeado de sus amigos: Stanley Jordan (guitarrista), Casimir Liberski (pianista) y Jeff ‘Tain’ Watts (batería).

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Richard Bona. Camerunés (1967) de desbordante talento musical. Su valentía y fortuna (ha tenido que vencer un montón de obstáculos) le han convertido en una de las estrellas del bajo dentro del mundo del jazz. Sus temas son composiciones que mezclan géneros latinos (principalmente cubanos), con sones de su idioma nativo, el bantú, y otros como falmenco o un jazz más contemporáneo. Bona es un artista completo: cantante, compositor, magistral bajista y líder de su banda Mandekan Cubano formada por Osmany Paredes (piano), Luisito Quintero (percusión), Roberto (Quintero), Rey David Alenjandre (trombón) y Dennis Hernández (trompeta).

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Lee Konitz. La clausura de estos cuatros días de buen jazz corrió a cargo de una de esas leyendas vivas del jazz. Se trata del octogenario (solo de carnet) Lee Konitz (Chicago, 1927). Un maestro que tiene en su haber la grabación que realizó con Milles en Birth of the cool y el haber impulsado el Cool Jazz. Antes, los asistentes disfrutaron de la actuación de Jeff Denson Trio (Denson, contrabajista, Dan Zemelman, pianista y Ronen Itzik, batería) que deleitó hasta la salida en escena de Konitz con quien compartió actuación. Conjugación de músicos jóvenes con una de las grandes leyendas del jazz (ha tocado con Charlie Mingus, Ornett Coleman, Elvin Jones…). Llevan colaborando juntos desde 2007.

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Es de agradecer tanto a la Universidad como al Ayuntamiento de Valladolid (y otras instituciones que apoyan este evento) el esfuerzo que hacen para mantener esta programación de alta calidad. Esperemos poder seguir contacto con Universijazz en los años venideros.

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Aspecto del patio de la Hospedería de san Benito, Valladolid

 

Luisjo Cuadrado
Fotografías: Chuchi Guerra
Revista Atticus


Mi familia italiana
Añoranza del gran cine italiano

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Dirección: Cristina Comencini.
Producción: Lionello Cerri.
Guion: Cristina Comencini, Giulia Calenda.
Fotografía: Italo Petriccione.
Montaje: Andrea Farri.
Distribuidora: Wanda Visión.
Estreno en España: 17 Julio 2015

Ficha artística
Madres: Virna Lisi (Rita), Marisa Paredes (Ramona). Hijas: Angela Finocchiaro (Susanna), Valeria Bruni-Tedeschi (Sthepanie), Candela Peña (Segunda), Phila Vitala (Solveig) Nadeah Miranda (Shelley) y Cecilia Zingaro (Saveria). El gran galán del cine italiano: Francesco Scianna (Saverio). El especialista: Lluis Homar (Pedro). El montador (Neri Marcorè. El periodista: Claudio Gioè (Marco Serra). El crítico: (Toni Bertorelli (Picci). Y como único marido: Jordi Molla (Alfonso).

Sinopsis
En un pueblo de la región de Puglia se celebra el décimo aniversario de la muerte de Saverio Crispo, el gran galán del cine italiano. A la ceremonia llegan sus cinco hijas, desperdigadas por el mundo, y dos ex-mujeres, una italiana (Virna Lisi) y la otra española (Marisa Paredes). Y en medio de las celebraciones irrumpe Pedro del Río (Lluis Homar), el actor especialista que parece conocer al actor mejor que nadie. Entre ruedas de prensa, proyecciones y nocturnas revelaciones de secretos, las mujeres del gran divo se enfrentan en un torbellino de emociones y situaciones tragicómicas.

Comentario
Os amplio un poco más esa sinopsis con unas notas del dossier de prensa que creo que resumen muy bien la línea argumental de Mi familia italiana. Saverio Crispo, el gran actor del cine italiano, un genio, como lo define el crítico Picci, murió hace diez años. Sus cinco hijas, de diferentes madres y desperdigadas por el mundo, se reúnen en la gran casa del pueblo natal de actor, en la región de Puglia. La hija italiana con el compañero del que es la novia clandestina. La hija francesa, con el menor de los tres hijos que ha tenido de tres padres diferentes. La hija española, la única casada, con un marido que es un infiel incorregible. Y la última hija, sueca, a la que al padre casi no conoció. También están presentes las dos viudas, la primera mujer, una italiana que le cuidó en la vejez, y la actriz española que se casó con él en la época de los spaghetti western. Ninguna de las hijas conoció realmente al padre de familia (un latin lover en toda regla –así es el título original-) pero todas lo han mitificado y amado en diferentes épocas de su triunfal carrera de actor. Y en medio de las celebraciones, cuando todavía esperan a la quinta hija, la norteamericana reconocida gracias a una prueba de ADN, irrumpe Pedro del Río, el actor especialista que parece conocer al actor mejor que nadie.

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Uno de los grandes méritos que tiene Mi familia italiana es que ofrece un producto muy trabajado, digno, honesto, en dónde han sabido montar tres películas en una sola. Por un lado tenemos la recreación de la vida del galán italiano de los años 60/70 que recoge sus etapas bien diferenciadas por el tipo de películas que hacía. Desde sus comienzos en comedietas y obras de teatro llevadas a la gran pantalla (con magníficos escenas al estilo del cine de aquellos años, por supuesto que en blanco y negro y con una textura especial), pasando por thrillers, por el spaguetti western (rodados en Almería), hasta dramas intensos típicos de Suecia (cine de autor) o el cine de la nouvelle vague francesa, hasta desembarcar en Hollywood («el peor cine que hizo»). Otra película sería todo lo que rodea a los actos que se organizan para agasajar a la gran figura con motivo del décimo aniversario de su muerte. El punto fuerte lo tiene la llegada de las diferentes hijas, fruto de las distintas uniones con distintas mujeres. Y la otra película es una comedia de enredo familiar. Quizás esta última ofrece algunos puntos tragicómicos muy interesantes provocando una serie de intrigas, de situaciones incómodas con alguna que otra decepción y el desvelo de más de un secreto. Estas reuniones de sobremesa o sofá «al amor de la lumbre» (en realidad, al calor de la residencia familiar) son un cóctel explosivo. Las relaciones entre las hijas son de lo más complejo. Algunas ni se han visto. Otras han tenido que compartir un padre a tiempo parcial, más preocupado por su imagen que por ejercer como tal. Rencillas, recelos, celos y envidias. En fin, «mujeres al borde de un ataque de nervios» (Pedro Almodóvar le habría dado una buena vuelta a este guion).

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Otro punto fuerte es la gran elección del casting. Se ha elegido a actores «nativos» para dar una mayor verosimilitud a la trama. Americanas, españolas, francesas, suecas. Saverio «tocó» todos los palos. Las grandes mammas corren a cargo de dos grandes actrices: Marisa Paredes y Virna Lisi. Soberbias. A ésta última está dedicada la película. Falleció a finales del 2014 al poco tiempo de finalizar el rodaje de la película. Un bellezón, una gran actriz y musa italiana que (al igual que sucede en el propio film) empezó su carrera en los años 60. Saltó a Hollywood cuando algún productor quiso que fuera la actriz que sustituyera a la, recientemente, fallecida Marilyn Monroe rodando incluso en los mismos estudios y haciendo el mismo tipo de comedia al lado de Jack Lemmon en Cómo matar a la propia esposa (1965), o Toni Curtis ¡Bromas con mi esposa, no! (1966). Rechazó participar como chica Bond en una entrega del agente 007 (Desde Rusia con amor) y también posar desnuda para la revista Playboy. Pasados unos años abandonó los EE. UU. aunque no los rodajes internacionales para volver a recalar en Europa donde realizó multitud de películas. Participó en las tres últimas de Cristina Comencini. Parece ser que la otra gran actriz, Marisa Paredes, tiene que emigrar para conseguir algún papel decente. Aquí está magnífica. Otro tanto le sucede a Candela Peña. Sin histrionismos, realiza un papel ejemplar, de una mujer, entre otras cosas, que no entiende si es la tercera porque se llama Segunda. Por cierto que es una buena definición de un personaje el hecho de que a todas sus hijas le ponga nombre que empiecen con la S –Saverio, a mayor gloria-. A Valeria Bruni-Tedeschi la acabamos de ver en El capital humano. Vuelve a realizar un papel de mujer atormentada, que se siente relegada a un segundo plano. Y del resto de las mujeres lo que puedo decir es que no desentonan. Hay un par de papeles reservados para dos hombres (hay otro par de ellos, pero sin más relevancia). Uno es el del único marido presente en la reunión, Alfonso (Jordi Molla) uno de nuestro actores más internacionales o aunque con diferente éxito que también hizo su escapada a Hollywood. Aquí ejerce de marido medio macarra, medio chuleta, lleno de tópicos. El otro es Pedro, interpretado por un excelso Luis Homar. Ambos se lucen, pero en especial, Homar. El papel que representa y su actuación de lo mejorcito.

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Es una película que rinde un pequeño homenaje al cine en general, y en particular al cine italiano. Los italianos echan de menos a los grandes mitos: Fellini (1920 – 1993), Passolini (1922 – 1975) o Vittorio de Sica (1901 – 1974). Quizás con muchas notas autobiográficas. La directora es hija de Luigi Comencini, uno de los grandes cineastas de la comedia del país transalpino que trabajó con grandes de la escena como Totó, Alberto Sordi o Vittori Gassman. Hay un crítico que ha llegado a ver también en el personaje de Saverio Crispo a Marcello Mastronianni (1924-1996). Nos es de extrañar pues Mastronianni encarnó a ese típico galán (llamado latín lover) que encandiló a las mujeres más bellas (Sophia Loren o Catherine Deneuve, entre otras). Donjuán con un puntito de canalla (y también con algún hijo/hija de una relación extramatrimonial).

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El resultado final es un poco el reflejo de la propia película. Es decir, es una suma de entidades semejante a la suma de las mujeres en la vida de Saverio, que tienen la particular de ser cada una de un país. Y sucede como en la propia familia, que no acaba de funcionar. No hay una cohesión interna sólida. Durante casi la primera hora me aburrí bastante. Era una sucesión de presentación de personajes que hablaban y hablaban mucho sin mayor interés (salvo el comienzo de esa recreación de su vida). Pero luego la historia avanzó y me ofreció uno de los momentos que se te quedan en la menoría me imagino que (y eso espero) por mucho tiempo. Sin destrozar la película es cuando Pedro (Lluis Homar) sube al escenario y cuenta aspectos de Saverio, desvelando que prácticamente es el que mejor lo conocía. Magnífica secuencia delante de las imágenes proyectadas en la gran pantalla del latín lover.

Os dejo un tráiler en su versión original:

 

Luisjo Cuadrado

El desafío personal de Amy Winehouse

Palícula documental de Asif Kapadia 

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El 23 de julio de 2011, hace ahora cuatro años, una cantante, con inolvidable registro vocal, y admirada por sus mezclas de distintos géneros musicales, incluidos entre ellos el soul, jazz, rock & roll y ska, desaparecía físicamente, y nos dejaba la angustia y las emociones a flor de piel. Una intoxicación etílica le llevó a la muerte, a los 27 años.
Amy Winehouse, primera intérprete británica en ganar cinco premios Grammy, en el 2008, con tan solo 24 años, considerada una de las mejores cantantes de soul de todos los tiempos, tuvo una vida, primero, marcada por el divorcio de los padres; segundo, por una manipulación interesada de su padre Mitchell Winehouse tercero, por una relación tóxica con un marido, Blake Fielder, que la llevó al precipicio de las drogas y el alcohol; cuarto, por un manager que no dudó, a pesar de su estado frágil y enfermizo de organizarle una gira en el momento más crítico de su vida; quinto, por una prensa carroñera, que hizo sangre con sus problemas existenciales; y sexto, por su propio comportamiento autodestructivo. Así partía de este mundo. Su agonía llegaba con su música. Su ausencia es una inmensa pérdida.

En 2003 Winehouse había lanzado su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado a los premios Mercury Prize.
Su segundo disco Back to black (2006), posteriormente premiado en los Grammys, se convirtió, por su portentosa voz y por incluir sentidas composiciones, donde plasmó sus experiencias personales más tormentosas, en el más vendido en Gran Bretaña y en el más aplaudido en todo el mundo por los admiradores de su música. Su pieza Rehab, la mejor canción del año, dice: «Intentaron llevarme a rehabilitación, pero dije que no, no, no…»
El filme Amy, de Asif Kapadia, que se exhibe actualmente, es un vibrante y estremecedor documento, que capta, gracias a un excelente material de archivo. La cantante fue filmada y fotografiada hasta la saciedad. La vida de esta lumbrera musical acabó como un juguete roto. No aspiraba a la fama, sino a ser una cantante y a tener una vida normal. La fama le llegó de repente y… no supo qué hacer con ella.
El filme, con dos horas de duración, nos emociona y nos entristece al ver en la pantalla, cómo Amy nos seduce con su voz, ya desde muy joven, y cómo su vida va a la deriva tras sus éxitos. El documental de largometraje es el género más difícil de desarrollar, y en este caso ratifica cómo el talento, y el arte cinematográfico, con todos los elementos de su lenguaje: fotografía, montaje, sonido, música, pueden lograr una obra maestra, de gran comunicación con el público.

Amy por Bosco

Amy por Bosco

Ficha

Título original
Amy
Año
2015
Duración
128 min.
País
 Reino Unido
Director
Asif Kapadia
Música
Antonio Pinto
Reparto
Documentary, Amy Winehouse
Productora
Playmaker Films / Universal Music
Género
Documental | Documental sobre música. Biográfico
Web oficial
http://www.amy-movie.com/
Sinopsis
Documental sobre la famosa cantante Amy Winehouse, que cuenta con imágenes inéditas de archivo y entrevistas con la malograda estrella, que murió en julio del 2011 a los 27 años de edad. (FILMAFFINITY)

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En este aniversario de su desaparición física, quiero recordar aquí, cómo, una vez sabida su muerte, en Brasil, en la ciudad de Sao Paolo. se organizó la exposición «Amy a mil trazos», por parte de José Antonio Lovetro , presidente de la Asociación de Caricaturistas de Brasil, en la que diversos dibujantes de ese país le rindieron homenaje, en una muestra que tuvo amplias repercusiones en el ámbito del humor gráfico internacional.

Amy por Amorim

Amy por Amorim

Tras lanzar la convocatoria por internet, José Alberto, caricaturista, periodista y comisario de la muestra, logró la participación rápida y entusiasta de dibujantes que ya habían abordado este trabajo fisonómico. El apoyo fue inmediato –dijo – , fue una especie de expo-flash, una idea que surgió por pura inspiración, como las mismas melodias de Amy.
Con el cabello estilo torta de boda, los ojos marcados con delineador, y sus diversos tatuajes, aparecieron, ante el espectador de esta muestra, cuarenta y cuatro formas diferentes de ver a Amy Winehouse, de interpretar su desordenada existencia, su legado musical, su comportamiento: la cantante cobró vida en los dibujos de Fernandes, Dalcio, Paffaro, Dimaz Restivo, Junior Lopez, Amorim, Paolo Cavalcante, Edra, Caco Galhardo, Caó Cruz, Carvall, Cassio Mango, William Medeiros, Cris Carnelós, Daniel Paione, Danyael Lopes, Stegun, De Pieri, entre otros.
El programa de la muestra señaló que «la caricatura personal siempre es un reto, y es una forma de divertida y exagerada de enfatizar las características físicas o los comportamientos que llaman la atención de los personajes de la vida real. El artista debe tener una sensibilidad especial que le permita destacar algunos matices, para mediante su línea acentuar los gestos, vicios y hábitos de la persona en particular. Por lo que en la buena caricatura pesonal se refleja lo sublime y lo ridículo de un personaje, y los aspectos de su alma».

 
Los caricaturistas, una vez, con su imaginación vencían a la muerte. Amy Winehouse siempre será recordada y su música, será escuchada.

Revista Atticus en un próximo artículo publicará buena parte de esas caricaturas. Hoy os dejamos un par de muestras (que embellecen esta entrada) junto con el tráiler de Amy.

Francisco Puñal Suárez
Revista Atticus


IL BUON TEMPO

Danza, música y canto del Renacimiento desde Valladolid

Aspecto del patio del Palacio de Santa Cruz, Valladolid durante la actuación

Aspecto del patio del Palacio de Santa Cruz, Valladolid durante la actuación

La escena se llena de buena música y de una plasticidad colorista cuando comienza el espectáculo. No es frecuente tener la oportunidad de encontrar grupos dedicados a la música antigua y, menos aún, a la danza. Tratados y documentos son la base fundamental para la coreografía, mientras el estudio de las pinacotecas y miniaturas de libros de oración de las reinas permiten reconstruir la indumentaria y aderezo, y las partituras cobran vida en manos de expertos músicos, todo ello desde una perspectiva muy profesional si bien lo protagoniza un grupo de interesados y formados aficionados, una asociación de carácter cultural que dedica su tiempo a poner Il Buon Tempo al servicio de la sociedad.

Consuelo Escribano en un momento de la actuación

Consuelo Escribano y, al fondo, Mercedes Jiménez en un momento de la actuación

No es sólo danza, muchos otros aspectos vienen a completar y configurar la presentación, pues se echa mano de otros recursos para la puesta en valor; instrumentos musicales, presentación de las modas cortesanas de los siglos XV y XVI, gestualidad, ambientación, búsqueda de espacios arquitectónicos que hagan contextualizable siquiera cronológica y culturalmente la puesta en valor de las presentaciones, son algunos de aquellos.

Músico de Il buon tempo

Fernando Jiménez, músico de Il buon tempo

Más aún, con el tiempo se ha llegado a apostar por la participación del grupo en proyectos de recreación histórica; una actividad de reciente implantación en nuestro territorio, pero heredera de una tradición de largo recorrido en otros ámbitos. La participación en eventos recreativos desde el punto de vista de la historia de algunos lugares y territorios permite insertar un espectáculo hasta ahora minoritario en circuitos de difusión mas amplios que llegan a un mayor número de personas, suscitando un más que notable interés, pues la Recreación Histórica, en casi todas las propuestas conocidas, se ha mostrado como un aspecto necesario para la divulgación y disfrute de los acontecimientos, hechos y bienes del Patrimonio Cultural y está teniendo un reconocimiento y acogida excepcional por parte de la ciudadanía.

Joven integrante de Il buon tempo

Joven integrante de Il buon tempo

Inserto en esta filosofía de trabajo, respaldada por una amplia y permanente formación y por una investigación seria a cerca de la danza, la música, el canto y su papel en el ámbito cortesano del Renacimiento europeo, el trabajo de la Asociación Cultural Il Buon Tempo cuenta con una programación anual en la que se combinan ensayos, actuaciones, talleres, cursos formativos, charlas, convenios de colaboración, etc.
Il Buon Tempo cuenta, en la actualidad, con una veintena de integrantes. Desde que surgió en Valladolid en 2007, la formación inicial, integrada por unos cuantos entusiastas, no ha hecho sino incrementar sus efectivos, dedicando una buena parte de su tiempo a la formación permanente a través de cursos monográficos. Algunos de los mejores y más prestigiosos especialistas en danza histórica europea, como Peggy Dixon (Inglaterra), Lieven Baert (Bélgica), Pilar Montoya, María José Ruíz Mayordomo, Ana Yepes, Carlos Blanco y Carles Mas (España), han sido sus principales maestros, sin olvidar el papel de la profesora Cecilia Nocilli.

Miembros de la agrupación musical Il buon tempo

Miembros de la agrupación musical Il buon tempo, inciativa surgida en Valladolid en 2007

A ello, como no podía ser de otro modo, se une una labor de documentación e investigación de las fuentes documentales que permite llevar a cabo una interpretación reconstructiva de la música y de las danzas que se bailaban en las diferentes cortes europeas, tal y como se describen en los diferentes tratados coreográficos y musicales del Renacimiento. La profunda vocación divulgadora del grupo se adivina en el interés por la puesta en valor de este interesante patrimonio cultural a través de la difusión del repertorio musical y coreográfico de la época, una cuidada puesta en escena, recreación de la indumentaria y el aderezo y la realización de espectáculos en los espacios representativos de la época. Se integra, de este modo, música, danza y canto en un contexto histórico, arquitectónico y cultural de los siglos XV y XVI permitiendo ofrecer, en definitiva, un espectáculo de recreación histórica de carácter interpretativo que pretende ser, además, un placerpara los sentidos.

Aspecto del patio del Palacio de Santa Cruz, Valladolid durante la actuación

Aspecto del patio del Palacio de Santa Cruz, Valladolid durante la actuación

Il Buon Tempo, además de sus proyectos específicos y su programación anual de espectáculos, talleres, cursos y colaboraciones, y de un amplio curriculum de presentación de espectáculos en castillos (Cuéllar (Segovia) y Fuensaldaña (Valladolid), patios renacentistas (Biblioteca pública o Palacio de los Benevante, en Valladolid, Patio del Palacio Real de Isabel de Castilla, en Medina del Campo), centros cívicos, teatros locales, etc, ha apostado por participar, desde el comienzo, en una propuesta novedosa que bajo el título El Esplendor de la Corte en Valladolid, tuvo como objetivo inicial la recreación del pasado histórico cortesano de la ciudad de Valladolid en el Renacimientoy que se ha puesto en marcha en el año 2015.

Il buon tempo

Il buon tempo

Centrado en el siglo XVI y con el tema central del bautizo de Felipe II, el día 3 de julio de 2015, en el patio del Palacio de Santa Cruz de Valladolid, Il Buon Tempo presentó bajo el título “Fiesta Cortesana” un programa de danza, canto y música de los siglos XV y XVI, al que asistieron más de trescientas personas.
El programa presentado se planteó en dos partes diferenciadas con temas medievales y del siglo XV, en primer lugar, interpretando temas musicales como La Danza Alta de Francisco de la Torre, Danzas de ceremonia como la Danza de Cleves, bailes de raigambre antigua como Ductia, Manfredina y Rota, grupos de tríos como Voltate in Ça Rosina y Petit Riense y canciones, como Pues que jamás olvidaros, de Juan del Encina, y una segunda parte, centrada en el siglo XVI, que incluyó como pavanna un elegante Mille Regretz (cuya interpretación cantada fue la favorita del Emperador Carlos), Il Buon Tempo y Alta Mendoza, entre las más vistosas gallardas, La Espagnoleta, danzas de espadas como Les Buffons y balletos prebarrocos como Contrapasso y Laura Soave, de Carosso, así como temas cantados de Juan Vasquez.

La formación de Il Buon Tempo está integrada por músicos, musicólogos, docentes, arqueólogos, modistas, estudiantes, etc.
Músicos: José Ignacio Farrán (laúd), Daniel Martínez (teclado), Elías Martínez (Flauta, gaita, chirimía, flauta y tamboril), Víctor Martínez (Zanfona y percusión), Fernando Jiménez (Viola da Gamba). Dirección Musical de Elías Martínez
Danzarines: Consuelo Escribano, María García, Ana Gutierrez, Flor Heredero, Irene Jimenez, Virginia Martín, Maribel Poza, Begoña Samaniego, Mónica Supiot, María Vicente, Víctor Galván, Luis Gutierrez, Santiago Muñoz (Dirección coreográfica)
Cantantes: Consuelo Escribano, José Ignacio Farrán, Víctor Galván María García, Mercedes Jiménez, Fernando Jiménez, Irene Jiménez, Elías Martínez, Virginia Martín, Santiago Muñoz, Maribel Poza, Begoña Samaniego, Mónica Supiot y Jaime Supiot. Dirección coral: José Ignacio Farrán.

Presentación: Mercedes Jiménez y Jaime Supiot

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Elbuentiempo@gmail.com

Consuelo Escribano Velasco

Revista Atticus


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