Archivo para mayo, 2011

Eduardo García Benito

EDUARDO GARCÍA BENITO. En las Colecciones privadas de Valladolid

Mujer de rojo, de Eduardo Garcia Benito. 130 x 90 cm. Fundación Miguel Delibes

La Sala Municipal de Exposiciones del Museo de Pasión de Valladolid inauguró el pasado 6 de mayo la exposición sobre Eduardo García Benito (1891 – 1981) que recoge más de setenta obras del autor. La muestra ha sido cedida por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid y podrá visitarse hasta el 19 de julio de 2011. La presentación estuvo presidida por el alcalde de la ciudad, Javier León de la Riva; la Concejal de Cultura, Comercio y Turismo, Mercedes Cantalapiedra; y por Miguel Ángel García, uno de los comisarios de la muestra.

El discurso lo inició el alcalde aludiendo al programa expositivo puesto en marcha hace dos años precisamente con una exposición de Eduardo García Benito, al cual acudieron cerca de treinta mil personas durante su estancia abierta al público. Según dijo, la pretensión última de esta nueva exposición es la de redescubrir al artista español más importante del siglo XX en el art decó. Agradeció a los coleccionistas que habían puesto a disposición de los ciudadanos las obras y a aquellas personas que habían trabajado para hacer posible esta muestra única y extraordinaria, de la que aseguró “hará historia”. Informó, así mismo, de la existencia de un catálogo con obras y discursos del autor elaborado por el Ayuntamiento de Valladolid y añadió que, aunque Eduardo García Benito no es del todo desconocido por la masa popular y crítica, sin duda merece aún más tiempo y dedicación. Finalizó su intervención observando que es nuestro deber contribuir a su recuerdo porque, pese a haber permanecido gran parte de su vida en las ciudades de París y Nueva York, su obra es un legado que pertenece a la ciudad de Valladolid.

Cuadrilla de Toreros

Javier León de la Riva dio paso a Miguel Ángel García, quien alabó las distintas técnicas y temas reflejadas a lo largo de la obra de García Benito y que sirven como símbolo de las diferentes etapas de su vida. Según Miguel Ángel, París le marcó profundamente. Allí entró en  la Escuela de París y era conocido como el “vallisoletano universal”. En sus inicios pintó paisajes de la ciudad entre los que destacan numerosos cuadros de gran celebridad y que le llevaron hasta la cúspide del arte internacional. Como anécdota, uno de estos cuadros, el famoso “Mujer de rojo sobre fondo gris”, fue el elegido para ser portada de la novela homónima de Miguel Delibes, libro que el autor dedicó a su esposa. Eduardo García Benito fue influido por muchas tendencias de la época, destacando vanguardias como el fauvismo, futurismo, expresionismo y, sin duda el que abrazó con más fuerza, el art decó. Tuvo contactos con maestros de la pintura como Pablo Picasso o Juan Gris y ganó la fama de ser un pintor muy sofisticado y de enorme elegancia. Ejemplo de ello es la revista Vogue, la cual se rindió ante sus dotes. El comisario de la exposición aseguró que este autor llegó a ser el artista más cotizado del momento y uno de los máximos exponentes del art decó, llegando a vender sus cuadros por la friolera de setenta mil pesetas, una auténtica fortuna para su tiempo. Sus dibujos extendieron por el mundo la imagen de los “felices años 20” representando en ellos lujos, coches, y demás excentricismos de la época. Miguel Ángel García se mostró partidario de no idolatrar a este autor, pero tampoco de considerarlo mediocre, situándose en un término medio en el que no aflora el fanatismo y no es injusto con la pericia de este autor. En Valladolid tan solo vivió los primeros años de su vida, cuando aún no era conocido, y los últimos, cuando su prestigio ya se había oscurecido.

Asesinato

También recalcó que el primer contacto con París no fue fácil para el pintor vallisoletano y que, sin embargo, pronto encontró la esencia de su obra tras haber picoteado en muy diversas vanguardias del momento. Entre sus pinturas destacan series como las del Buscón de Quevedo o las de la Primera Guerra Mundial. Pronto entabló amistad con Condé Nast, que era el dueño de varias revistas. Esto supuso un gran impulso para su trayectoria y, entre 1923 y 1928, se dedica a pintar retratos y a decorar las casas de refinados americanos. Miguel Ángel confesó que, cuando vuelve a su ciudad natal, solo pinta recuerdos sin atreverse a innovar como antes lo había hecho. En estos últimos cuadros encontramos a un Eduardo García menos suelto en su pincelada. Finalmente, muere el 1 de diciembre de 1981 con la pena de los vallisoletanos, que no vieron ninguna exposición de sus obras.

Por suerte, décadas después, los vallisoletanos sí podemos conocer a fondo la obra de este artista, una oportunidad que años atrás otros ciudadanos no tuvieron.

Elías Manzano Corona

Jean Siméon Chardin en el Museo del Prado.

 

La niña con el volante

El Museo del Prado presenta la exposición “Chardin”, una muestra antológica dedicada a Jean Siméon Chardin (1699-1779), uno de los más relevantes exponentes de la pintura francesa del siglo XVIII del que únicamente se conservan tres pinturas en una colección española (Museo Thyssen). Tras su paso por el Palazzo dei Diamante de Ferrara, la exposición llega a Madrid gracias al patrocinio de la Fundación AXA que, como ya ocurriera con Turner, posibilita nuevamente la celebración de una importante exposición consagrada a un pintor al que nunca se le había dedicado una muestra en España. La exposición se compone de 57 obras de este gran maestro del bodegón y de la pintura de género, entre las que se incluyen algunas novedades respecto a las presentadas en la sede italiana. El recorrido de la exposición sigue un orden cronológico atravesando los aspectos más destacados desde los inicios de la vida artística de Chardin, en la segunda década del siglo XVIII, hasta los pasteles de los años setenta.

La muestra empieza con las naturalezas muertas y bodegones de la segunda mitad de los años 20, entre los que figura la célebre pintura La raya procedente del Louvre. Con esta obra ingresó en la Real Academia de Pintura y Escultura pero fue admitido dentro de una categoría menor, la de “Pintor de animales y frutas”. La siguiente sección comienza con los bodegones de los años 30 entre los que figuran Un pato de cuello verde atado al muro y una naranja amarga o Naturaleza muerta con una jarra de loza y dos arenques. Seguidamente y de la misma década, se presentan tres versiones de la célebre serie Pompas de jabón. Chardin no abandona jamás un género para dedicarse exclusivamente a otro, sabe renovarse, pero le gusta volver atrás a menudo y trabajar continuamente a varias bandas. A continuación, la exposición documenta los años 50 y 60 y su regreso a las naturalezas muertas, un género que había abandonado casi totalmente. Éstas se distinguen claramente de las de los años 20 por la multiplicación de las especies de animales de caza, variedad de frutas y de objetos (porcelanas valiosas o cristalería sofisticada) que utiliza. De esta época, se incluyen en la exposición la deliciosa La cesta de fresas salvajes, Vaso de agua y cafetera y Ramo de claveles, tuberosas y guisantes de olor en un jarrón, obra maestra de la National Gallery of Scotland. En estas obras la ejecución es más ágil, más lisa, y demuestran el interés de Chardin por los reflejos y las transparencias, la luz y las sombras.

La exposición finaliza con dos retratos en pastel, medio al que se ve obligado a optar por motivos de salud, abandonando la pintura al óleo, y con el que sorprende a todos en el Salón de 1771. Jean-Baptiste Simeon Chardin (1699-1779), fue uno de los pintores franceses más importantes del siglo XVIII. Sus pinturas de género y sus naturalezas muertas reflejaron la vida de la burguesía en París. Nació el 2 de noviembre de 1699. Fue un artista autodidacta. En sus inicios recibió la influencia de los maestros flamencos del siglo XVII Metsu y Pieter de Hooch. Fue admitido en la Real Academia de Pintura después de presentar dos bodegones: La raya (presente en la exposición) y El buffet (1728, Museo del Louvre, París). Sus primeras obras se caracterizan por el suave colorido y una tenue luz, logrando que sus estancias sean estampas hogareñas llenas de intimidad. Poseía un gran dominio de la técnica, solo así es posible conseguir esta textura realista. El 6 de diciembre de 1779, con 80 años fallecía en su vivienda que tenía situada en una de las galerías del Museo del Louvre. No fue muy prolijo en cuanto al número de obras. Aquí en el Museo del Prado tenemos una ocasión única de ver más de 50 obras. No siempre se tiene la oportunidad de ver en una misma sala tres cuadros que un autor hace del mismo motivo. Aquí tenemos varios ejemplos. Uno de ellos es su famoso Joven haciendo pompas de jabón. Prácticamente la figura es la misma en los tres lienzo, pero varia el tamaño del mismo así como unos motivos florales. Destacar una obra de Chardin es difícil. Son muchas sus naturalezas muertas que merecen elogio, pero si yo tuviera que llevarme una para mi casa me quedaría con Una niña jugando al volante o también llamada La niña con el volante. Su gesto ingenuo nos invita a jugar con ella. Su pomposo vestido, el tocado de su pelo y esa sonrosada mejilla ejercen una gran atracción sobre el espectador. En un lienzo de una gran sencillez pero de una gran pureza de líneas. En palabras de Pierre Rosenberg: “En pocas ocasiones se ha representado a una niña con tanta delicadeza y pudor, con tanta ternura y simpatía, sin olvidar la composición y la complicidad que reinan entre el pintor y su modelo”. En el Museo del Prado también podemos contemplar la exposición El joven Ribera, la escultura de Nerón y Séneca (de la cuales nos hacemos eco en el núemro DOS, con profusión de detalles), la restauración de Adán y Eva de Durero y, Fortuny y el esplendor de la acuarela española en el Museo del Prado (para fechas y los horarios consultar la web del museo).

Chardin estará con nosotros hasta el 29 de mayo de 2011

“Uno se sirve de los colores, pero se pinta con el sentimiento”.

Chardin

 

San Sebastián asistido por las santas mujeres

 

“El joven Ribera”

Una muestra que reúne por primera vez las principales obras del pintor español correspondientes a su estancia en Roma y los años siguientes a su establecimiento en Nápoles, en 1616, con el propósito de dar a conocer la actividad del joven artista. Se trata de una etapa de su producción apenas conocida hasta época reciente y que está dando lugar a un interesantísimo debate entre los historiadores. 

La exposición permite comparar los cuadros más importantes que se relacionan actualmente con este periodo y profundizar en el conocimiento de su sucesión cronológica y en la importancia que tuvieron para el desarrollo del caravaggismo romano de la segunda y tercera década del siglo XVII. De las 32 obras que componen la muestra cabe destacar, además del Apostolado y los Sentidos, La resurrección de Lázaro -adquirida por el Prado en 2001 y que se ha convertido en uno de los principales puntos de referencia en torno a los que se ha articulado el debate sobre la actividad temprana del pintor-, El martirio de San Lorenzo, obra procedente de la Basílica del Pilar de Zaragoza y que se da a conocer por primera vez en la muestra con esta atribución, o El Calvario, del Museo de Arte Sacro de Osuna, que probablemente sea la última vez que se pueda contemplar fuera de su lugar de procedencia.

“El joven Ribera” permanecerá en el Museo del Prado hasta el 31 de julio.

“No solo Goya”

Bajo el título de No solo Goya, la exposición pone de manifiesto que, si bien la obra de Goya ha constituido uno de los ejes de la política de adquisiciones del Museo, quizá el de mayor repercusión mediática por su innegable valor, ha habido también una serie muy numerosa de obras ingresadas en la colección del Prado de no menor importancia artística. A partir de esta idea, la exposición se organiza en ocho secciones que responden a las principales líneas de adquisición establecidas por el Museo.

A lo largo del recorrido por las 110 obras de la exposición, el visitante encontrará dibujos de los más importantes pintores del siglo XVII al XIX como Alonso Cano, Murillo, Ribera, Paret, José y Federico de Madrazo o Francisco de Goya. También podrá contemplar una colección de estampas y dibujos relacionados con la teoría del arte y la arquitectura, así como cuadernos y álbumes de dibujos que permiten apreciar el proceso de trabajo y aprendizaje de los artistas. Para finalizar, el visitante se adentrará en el análisis de la fotografía como medio de difusión y estudio de las obras de arte, podrá admirar fotografías antiguas del Museo y del Casón del Buen Retiro y una extraordinaria colección de fotografías de la segunda mitad del siglo XIX.

“No solo Goya” también estará hasta el 31 de julio.

También se puede ver “Nerón y Séneca” una escultura de Eduardo Barrón de la cual nos hacemos eco en el número DOS de Revista Atticus y que desde aquí recomendamos encarecidamente que “busquen” esta preciosa obra entre las grandes obras del Prado.

Nerón y Séneca de Eduardo Barrón, 1904

Si todavía no han encontrado motivos suficientes para acudir, una vez más al Museo del Prado, os proponemos otros dos motivos. Uno de ellos:

Fortuny y el esplendor de la acuarela española en el Museo del Prado, hasta el 4 de septiembre.

Y el otro motivo es ver la maravillosa restauración del Adán y Eva de Durero. Hasta el 19 de junio.

Revista Atticus

La página de Martirena

La página de Martirena

En Revista Atticus contamos con uno de los mejores humorístas gráficos del momento: Alfredo Martirena.  En el último ejemplar ya le hemos dejado un espacio preferente y ya podemos disfrutar de la página de Martirena. Esperamos que os guste.

El día internacional de los museos

El día internacional de los museos.

El sábado se celebra LA NOCHE DE LOS MUSEOS con mas de medio centenar de actividades organizadas por el Ayuntamiento de Valladolid. Y es que el mes de mayo los museos son protagonistas de dos celebraciones internacionales que acercan estas instituciones al gran público: la Noche de los Museos  (14-15 de mayo) una iniciativa del Ministerio de Cultura francés, y auspiciada por el Consejo de Europa y este año con el patrocinio de la UNESCO, en la que participan museos de toda Europa, y El Día Internacional de los Museos (18 de mayo) promovido por el ICOM al que se suman los museos de todo el mundo. Las actividades incorpora este año y entre otras múltiples, una nueva, como son las VISITAS GUIADAS CON INTÉRPRETE EN LENGUA DE SIGNOS PARA PERSONA SORDAS, que tendrán lugar en la Salas Municipales de Exposiciones DEL Museo de Pasión y san Benito, el Sábado 14, a las 21:00 h. y el Miércoles 18: a las 21:00 h.
Un año mas, las Salas Municipales de Exposiciones del Ayuntamiento de Valladolid la Casa Museo Colón y el Museo del Toro, se suman a esta celebración organizando mas de medio centenar de actividades gratuitas y abriendo sus espacios expositivos – en el caso de LA NOCHE DE LOS MUSEOS- hasta la 1 de la madrugada del día 15.
Resumiendo, estas son los datos y características de las actividades en ambos días, todas ellas gratuitas:

Programa de Exposiciones en las salas municipales de Valladolid 

 

SALA MUNICIPAL DE EXPOSICIONES DEL MUSEO DE PASION

 Del  6 de mayo al 19 de junio de 2011

EDUARDO GARCÍA BENITO, en las colecciones privadas de Valladolid

 En breve haremos una reseña especial para esta exposición. Una oportunidad única de ver unos cuadros de este gran artista vallisoletano que no siempre se tienen la oportunidad de ver ya que pertenecen a colecciones particulares.

 SALA MUNICIPAL DE EXPOSICIONES  DE LAS FRANCESAS

 Del 1 de abril al 15 de mayo de 2011

DANIEL NORDZINSKI. La vuelta al mundo en 80 retratos de escritores.

 Del 18 de mayo al  19 de junio de 2011

ICONS OF VIDEO ART.

 SALA MUNICIPAL DE EXPOSICIONES DE SAN BENITO

 Del  5 de mayo al 29 de mayo de 2011

WORLD PRESS PHOTO 2011

Con la colaboración de FOCALE

 En su día hemos hecho una reseña. No te puedes perder esta oportunidad.

http://revistaatticus.es/2011/05/05/world-press-photo-2011-en-valladolid

SALA MUNICIPAL DE EXPOSICIONES DEL TEATRO CALDERÓN

 Del 28 de abril al 22 de mayo de 2011

LA BIBLIOTECA BLANCAInstalación de JESÚS CAPA

Artista seleccionado en la convocatoria de la FMC

 SALA MUNICIPAL DE EXPOSICIONES DE LA CASA REVILLA

 Del 4 de mayo al 29 de mayo de 2011

ESPAÑOL CON HUMOR

Con la colaboración de la Fundación comillas y la Fundación General de la Universidad de Alcalá

HORARIO ESPECIAL DEL DIA 14 DE MAYO

de 12 a 14 h. y de 18,30 a 01,00 h.

 HORARIO ESPECIAL DEL DIA 18 DE MAYO

de 10 a 14 h. y de 17,00 a 21,30 h.

 - Sala Municipal de Exposiciones del MUSEO DE PASIÓN.

  (c/ Pasión s/n. Tlfno.983 374048)

 - Sala Municipal de Exposiciones de la IGLESIA DE LAS FRANCESAS.

  c/ Santiago, s/n. Tlfno.983 373251

- Sala Municipal de Exposiciones de SAN BENITO.

  C/ San Benito s/n. Tfno: 983.426193

 - Sala Municipal de Exposiciones del TEATRO CALDERON.

  c/ Leopoldo Cano, s/n.

 - Sala Municipal de Exposiciones de la CASA REVILLA.

   c/ Torrecilla, 5.

Revista Atticus

Heroínas

Heroínas

El héroe II de Marina Abramovic

La exposición Heroínas pretende revisar la representación de la mujer en el arte occidental. Mujeres madres, hijas, esposas, vírgenes y mártires.
La mujer no fue admitida en los estudios artísticos hasta finales del siglo XIX.
La exposición se divide en dos sedes. Por un lado tenemos el Museo Thyssen Bornemisza y por otro Caja Madrid.

En ella podemos ver una serie de obras conocidas y no tan conocidas. Y los formatos y materiales varían desde el lienzo a la escultura hasta la fotografía e incluso una instalación en video.

La exposición, que reúne más de 120 obras, nos propone un recorrido por personajes femeninos tan diversos como Juana de Arco, María Magdalena o Frida Kahlo. Mujeres valientes, a contracorriente, desafiantes y triunfadoras, muy diferentes a los modelos sumisos y pasivos con los que tradicionalmente han sido representados en el mudno del arte.
Uno de los cuadros que podemos contemplar (aunque es un habitual de estas salas pues pertenece al Museo Thyssen) es la obra de Hopper Habitación de hotel. Siempre que veo este cuadro pienso en las vicisitudes por las que ha pasado la joven. Se encuentra sentada sobre la cama a medio vestir (o medio desnudar). ¿A que espera?

Autorretrato con paleta de Charley Toorop

También podemos ver un cuadro de un pintor muy famoso pero que no lo es tanto esta obra. Además no es representativo de su arte, del impresionismo en el que militó. Me refiero a Degas con sus Jóvenes espartanas desafiando a sus compañeros. No se sabe muy bien la intención de las mujeres pero parece que están retando a los muchachos a una carrera.

A la salida del Museo Thyssen nos damos de frente con El Héroe II una fotografía de Marina Abramovic. La obra pasaría por ser una bonita foto un tanto anacrónica: una bella mujer a lomos de un blanco corcel porta una bandera blanca ¿En son de paz? Si consultamos la breve guía de la exposición entenderemos que con esta obra Abramovic quiso provocar la rendición de su padre que fue general del ejército de Tito en Yugoslavia. La artista consideraba a su padre una persona que no pudiera rendirse fácilmente, fue ella la que le forzó a hacerlo en esta obra homenaje. Según sus palabras tomo la decisión por influencia del budismo, y lo explico con estas palabras: “rendirse es ser humilde, comprensivo, es la otra cara del coraje”.

En la otra sede, la de la Fundación Caja Madrid situada en Sala de las Alhajas en la Plaza de San Martín de, podemos contemplar una serie de obra que no son menores ni mucho menos. Desde un Caravaggio o una obra de Artemisia Gentileschi a una obra de Frida Kahlo. Hay unas cuantas obras menos conocidas pero que son de una gran belleza.

Por poner tres ejemplos: La entrada de Juana de Arco en Orleans de Jacques Scherrer, un cuadro de enorme dimensiones que nos recibe nada más entrar; justo a nuestra espalda se encuentra Santa Eulalia (1885) de John William Waterhouse, con una composición atrevida y una atmósfera onírica; y, en el primer piso, Autorretrato con paleta de Charley Toorop, lleno de fuerza expresiva.
No acabo de entender la política de los precios de la exposiciones en el binomio formado por la Fundación Caja Madrid y el Museo Thyssen. En el museo la entrada cuesta 8 euros. Si queremos ver los fondos del museo se puede comprar una combinada que nos cuesta 13 euros. En el momento de la visita se podía acceder a ver la exposición de Gérôme previo pago de otros 7 euros. Ufff.

Sin embargo el acceso a la parte de la exposición que se encuentra en la Fundación Caja Madrid es gratuita.

Detalle de Pollice Verso de Gérôme

El Museo Thyssen-Bornemisza deMadrid presenta desde mediados de febrero la exposición Jean-Léon Gérôme (1824-1904), fruto de un ambicioso proyecto conjunto con el J. Paul Getty Museum y el Musée d’Orsay, y que supone la primera gran muestra monográfica dedicada al pintor y escultor francés desde la celebrada hace treinta años en Estados Unidos, así como su presentación en España por primera vez. La cuidada selección de óleos y esculturas que podrá verse en Madrid es una versión reducida de la gran retrospectiva mostrada en los Ángeles y en París sucesivamente a lo largo de 2010. En las salas del Museo Thyssen-Bornemisza se reunirán cerca de 60 obras, entre las que se encuentran algunos de sus trabajos más emblemáticos y sobresalientes, abarcando todos los aspectos de su larga y prolífica trayectoria artística. Gérôme fue uno de los pintores más célebres de su época, aunque fue también objeto de críticas y polémicas a lo largo de toda su carrera. De perfecta factura, con una absoluta precisión del dibujo y maestría en el uso de los pigmentos, a pesar de la apariencia academicista en sus temas y composiciones, su obra mantiene con la modernidad una relación más compleja de lo que parece y es en este aspecto donde los análisis historiográficos más recientes se han centrado para la revaloración de su figura y de su arte. Gérôme también fue un brillante escultor. Su carrera como escultor comienza en 1878, en el marco de la Exposición Universal. Considerado en ese momento por la crítica como el modelo del academicismo, el artista sin embargo no duda en defender lo contrario del dogma en cuanto al uso de la policromía en la escultura moderna y se sitúa en el centro de los debates de la época. Una de sus esculturas pintadas más famosas, Tanagra (1890), nos muestra también su gusto por la “auto-cita”, en un juego de espejos entre la obra esculpida y la obra pintada.

Heroínas hasta el 5 de junio.

Gérôme hasta el 22 de mayo

Más información:

http://www.museothyssen.org/thyssen/home

Luisjo

 Page 1 of 2  1  2 »
Get Adobe Flash playerPlugin by wpburn.com wordpress themes